BOB（固定的刻板印象）。看到好多答案提到林璎、贝聿铭、路易斯康。没错，路易斯康的Salk研究所固然如“长河落日圆”般磅礴大气，贝聿铭的苏州博物馆固然如“杏花春雨江南”的清新雅致，可埃森曼的住宅系列难道就没有些李义山的隐晦迷离？盖里的毕尔巴鄂和迪斯尼难道就没有些吴梦窗的绮丽绵密？（见附图1-4）。看到题主说为文人设计书院，浅斟低唱的柳永是文人，金戈铁马的辛弃疾也是啊，他们会是一样的么？评价标准会那么单一？

　　2，另一个角度看，建筑和诗意又没有关联。建筑把玩形态和创造空间，诗歌把玩文字和制造情境。人们会觉得建筑有诗意，是因为两者都具有唤起人们某些感受的力量 -- 然而这种把自我注入到审美对象里的移情作用，所有艺术形式都有。若从这点上说，则不仅建筑和诗意有关联，所有的艺术形式都互有关联。

　　综上，这个命题是句废话。狭义上说，建筑和诗意无关；广义上说，所有优秀的建筑都有某种诗意。在我看来，诗意是设计结果而不是design driver（设计驱动）。

　　附图1-4BOB体育官方入口。按理说不该用静帧图片来展现建筑。这里只是随便举例，诗也是随意附会的，当不得真，只为了说明：哪个优秀建筑，和诗意没有一丝相通？

　　荷尔德林说，人应该诗意的栖居，而最符合这一要求的可能就是桃花源记中所描述的情景了。

　　下面这个贝聿铭设计的美秀美术馆(Miho Museum)所展现的就是这样一个现代版的世外桃源。

　　美秀美术馆建在一片自然保护区中，其中80%的建筑都埋藏在地下，在保护自然的同时，使得建筑能够与周围景色融为一体。而这也符合现代人渴望远离都市，回归自然的愿望。

　　它建在一座山头上，如果从远处眺望的话，露在地面部分屋顶与群峰的曲线相接，好像群山律动中的一波。它隐蔽在万绿丛中，和自然之间保持应有的和谐。

　　贝聿铭向我们展现的是这样一个理想的画面：一座山，一个谷，还有躲在云雾中的建筑，许多中国古代的文学和绘画作品，都围绕着一个主题：走过一个长长的、弯弯的小路，到达一个山间的草堂，它隐在幽静中，只有瀑布声与之相伴……那便是远离人间的仙境。

　　到达此地山高路险，这正是那些寻道者的旅途。最为人称道的是，在美术馆建设中，还专门建造了隧道和直通馆址的公路。沿坡路行不到百米，44根银线放射状地向天空展开，经过一个大半的椭圆形架。原来这些钢丝是在山谷之间吊起一座非对称地长120米的吊桥。桥的另一端便是美术馆的正门。>

　　因为日本对自然保护区内建筑的严格要求，可以说是被约束下的杰作，在制约中，我们看到了贝聿铭的天才手笔。从外观上只能看到许多三角、棱形等玻璃的屋顶、其实那都是天窗，一但进入内部，明亮舒展的空间超过人们的预想。

　　整个建筑由地上一层和地下两层构成，入口在一层，进正门之后仰首看去，天窗错综复杂的多面多角度的组合，成为你对这个美术馆的重要记忆。用淡黄色木制材料做 成遮光格子，而室内的壁面与地面的材料特别采用了法国产的淡土黄色的石灰岩，这与贝聿铭为设计卢浮宫美术馆前庭使用的材料一样。>

　　借景作为中国传统造园中常用的手法，在日本也有着同样的传统。北馆有一个中庭，庭中有院，这是委托日本造园师设计的。越过庭院周围的建筑，可见院外的山岗和蓝天白云。美术馆和神慈秀明会建筑有一公里之遥，贝聿铭为了体现与这组建筑的联系、进入正庭之后，立即可以眺望窗外的风景——群山、美秀美术馆的的吊桥和那仅露出屋顶的神慈秀明会神殿和钟塔。

　　另一个要说的是安藤忠雄所建造的两座日本寺庙，光明寺和水御堂，可能大家对他的几座教堂比较熟悉，但是其实这两座寺庙的设计在我看也同样是其对自然中的天、光、水的完美运用。而且创造出了很多充满禅意的空间。

　　日本建筑以中国唐代建筑为宗，自引入日本本土以后，一千年光阴的自我发展，俨然已不再等同于中国古建筑而成为了一个独立的体系，形成了以神社、鸟居、灰空间、枯山水、灰色、大而深远的屋顶等等为代表的鲜明特征，却也依旧保留着中国古建筑有无相生的精神内核。

　　日本人素以善于保留传统而著称，典型的当属神社建筑的“造替制”，神社不会因为每几十年的翻修而损失历史原貌，使得几百上千年过去后，我们仍可以目睹古代伊势神宫的样子。这种思想，很奇怪地被那些具有强烈民族自豪感和文化传承责任感的日本现代建筑师们所继续承袭，比如：雅马萨奇、矶奇新等现代主义大师等等， 他们在物质手段完全现代化的环境里，依然造就出属于自己本民族的建筑，像代代木体育馆、山梨文化会馆等等。

　　光明寺以一个类似斗拱的构件作为真实的承重体系，外部围以虚化了的围墙，在这个虚和实之间，自然形成了建筑的本质：空间。安藤忠雄选取了最具有古典特色的建筑元素， 却仍是突破了原有的恢弘的寺庙建筑的形制。

　　他在真正理解了古代木构建筑的精髓之后，创造性地以现代主义的设计手法 ，将斗拱加以简化凝练，在似与不似之间，对这个典型的东方古建筑符号进行了再创造，使斗拱以全新的面貌示人，重要的是，这个“类斗拱”依旧是承重构件，它不是装饰性构件，它坦率而真实。 作为木承重构件，这个极具个性的构件的尺度被理性地控制在木材能够担当的范围之内，结构受力关系简练而清晰，极富美感。

　　对于环境与材料的运用上，安藤使用了传统建筑中采用的木材，并将建筑置于一片水面之上。透过木墙的间隔，可以将远处的富士山净收眼底。

　　水御堂则是更大的跳出传统宗教建筑，以求给人一种采菊东篱下，悠然见南山的感觉。既带着宗教的神秘与出世的心境，又是人与建筑与自然的亲密对话。

　　建筑物地上层是一座莲花池地底下是一座神寺整栋建筑物透过清水模面墙由上倾斜而下〈拉锯很长的斜坡度〉﹐ 要到水御堂﹐需要经过旧庙﹐沿一路满眼苍翠的路径往上走﹐便到达一片铺满白色碎石的开阔地带﹐穿过和绕过两堵一直一弯的混凝土墙之后﹐就会见到一个椭圆形 的莲花池。水御堂其实是藏在莲花池之下。要进入建筑物，需要在莲花池中央的楼梯拾级而下﹐犹如进入水中。常见的宗教建筑大多是向上走，以表达宗教修养的提 升和对上天的接近﹔反观水御堂的设计﹐在莲花池的包围中慢慢进入庙宇，其实有著洗涤心灵的意味。莲花池畔宁静中带有禅意， 神寺里又透露出一股不可轻犯的庄严。在到达楼梯底部之后﹐便进入一个完全不同的世界。

　　从外面看，大殿建筑物的墙呈圆形﹔但室内的柱列和内部墙壁则成正方形。室内的光线与外面成强烈对比，整个大殿呈红色，虽然这种颜色在庙宇中极为常见 ，不过通常会与其他颜色混用，如此纯粹地只使用一种颜色却并不多见。佛像朝东，斜阳从西方佛像背后透出，把长长的影子投在地上，更加深了主调的红色对礼佛 信众的笼罩。独特而神秘的气氛，把他们从日常的烦嚣的升华出来。

　　庙宇亦利用了象征性的几何形状﹕卵形池塘象征着诞生和再生﹐而圆形大殿则象征生生世世﹐循环不息的轮回。而大殿的方框屏风﹐排成方阵的柱子﹐承继了日本传统建筑﹐隐隐地透出禅意。

　　所以在我看来真正诗意的建筑，必定是和自然能够完美融为一体，又富有人的精神寄托的建筑，否则，又怎能引起人们的共鸣？

　　在这里题主谈到设计出发以诗或者用诗来表达设计。那么我就必须谈到国美的课程设计以及一位老先生。

　　王澍喜欢干的事情，空间的骨骼取自山水画。带到国美二年级本科建筑学教育中。

　　两巨岩对夹一缝，其间有飞泉高挂而下注入一潭，岩缝以一棵倒悬松掩面。此景全为飞泉对面一依石老者所尽收也。那个小小的亭子，就是关于人的表征，他既是尺度的，也是姿态的。

　　这是一个最小的山林世界，对于中国人来讲，山林就是庭园家居，一个案山也是可以起居的。

　　在这里一个笔筒上就有一个建筑师的文人梦，一石一木，一毫一案都能成为空间设计的发起点，或者成为贯穿整个建筑空间设计的气。

　　这里并没有拘泥于具体的形，不会说我的园子，也是要依葫芦画瓢，摆些石头，种些绿植。

　　就好比，如果王澍做的还是实打实的江南园林，而不是对原有的园林进行抽象，很难想象这种没有进步的建筑。他提取出他要的那部分气——或者叫场所精神，用现代的设计手法，建构方法和材料去诠释它，那么他有理由说：“我做的不是江南园林，但是你们走进去，感受到的那点婉转BOB体育官方入口，清雅，禅意，就是江南园林。”

　　说到这里，我想提提前段时间我们小组刚好进行了一次讨论，名字叫做“空间的诗意表达”，与会者有艺术学院的老师同学，也有我们建筑学院的，当然，还有一位大牛老先生。老先生80多岁，最近出了本书叫做《建筑与环境艺术造型形的 景 境 情》。（据说建筑空间组合论还是受此老先生以前著作的影响才写成，这书还是天大的教材我会乱说，对不起我就做个宣传= =）

　　老先生几乎走了是另一条完全不同的路子，把具象的东西做到极致，这里的水池是水池，花瓶还是花瓶，草屋依旧草屋。这里比较接近题主所说的，如何根据一首诗出发进行设计，用点状的要素（具象的），链接一个空间序列，达到某种意境。跟诗用点状意象，拼凑出一种氛围一样。虽然说，这样的设计方法，我们是不会用的，在西方现代主义建筑学教育的渲染下，没有人会继续做这种了。但是并不是说这样子做不好设计，像老先生，他虽然设计方法传统，但是结果也很出色BOB体育官方入口，尤其是在契合国人审美上。

　　关于空间的诗意表达，专业思维差异还是挺大，环艺比较感性，喜欢从具象的事物出发。

　　这里说一个在我看来并不成熟的例子（不是黑 = =）一个韶山景区车行路口的方案招标，门牌用了一个毛体的山字变形，随后在道路两旁摆了一群浮雕……（这简直是当代中国遍地开花的style……）这种设计作品只能说是文化的强势输出，或者说“没文化”。作为一个普通人，我看到这样一个扭曲的形体，可能根本联想不到 毛体的山，也根本不会停下车去看浮雕。跟“诗意”更是八竿子打不着。

　　因为缝隙，流动的空气维持一定的温度和湿度，减弱的噪音，光影，甚至可以听到鸽子的呢喃。

　　首先支起木构架，再用混凝土一层一层刷叠，每一次进展都要隔上几日，直到混凝土浇注完毕，再一把火烧掉木构架，留下天然的纹理和灼烧的痕迹。

　　顶上开洞，引进自然的风光雨雪，壁上插玻璃珠，神圣的眩晕感，三角的重门，孑然独立的简单几何造型，以及，周围无尽旷野，和那一条小路。

　　举卒姆托的例子想说明，诗意可能根本跟具象抽象的设计方法并无关系，而是在乎激发人所有认知的可能性，风光雨雪，不在乎她是不是在那，而是在乎它与人有没有发生互动，是不是可以被人感知。鸽子叫能被听到，风过去能被感受到。这是建立在普世的基础的认知上，是人人都能感觉到的。如果说韶山景区的方案是不好的，那么它不好不是在于具象，而是在于他的输出是生硬的，认知隔了层文化——对啊，的字，可是我并不懂。

　　还想说说黄声远，看看他在宜兰做的东西吧。点到几个例子，西堤屋桥，宜兰火车站前旧仓库，罗东文化工厂。只是提醒提醒有没有另一种做建筑的可能，诗意可能不体现在结果，而在乎那个出发点和意识。

　　如果将对建筑的描述加上“朦胧”“仙境”这些词藻的话，想必大家会想象出这样的场景，一座通透洁白的宫殿矗立在水面上，被似有似无的雾气缠绕着。朦胧派的建筑实际上营造了一种超脱的气质，从而打动人们的心弦。这类建筑更注意表现深刻的内涵和突出设计主旨，也并不局限于大家的固有想象。今天小编就带大家一起来盘点这些拥有特殊气质的建筑，看看设计师们是如何让建筑自带仙气的~（正文共：4354字28图，预估阅读时间：12分钟）

　　史蒂文·奇尔顿建筑师事务所（Steven Chilton Architects）在中国无锡建成的新剧院就是因为它独特的视觉效应引起建筑界的极大重视。该项目位于中国江苏省太湖附近，其灵感来自中国最大的竹林竹园海。这个有2000个座位的剧院被称为无锡太湖表演剧院，由白色圆柱包裹着，类似窗帘的效果，同时允许访问者在圆柱之间移动。半通透的立面设计营造了一种模糊边界的效果，让整个建筑看起来似乎置于有和无的边界之间。

　　细长的白色圆柱体代表了竹林的抽象印象，围绕在建筑物的周边，从而在建筑主体和周围景观之间提供了一个屏障。遮阳篷在屋顶水平环绕建筑物的外围，从概念上讲，它表示存在于竹林顶部的树叶冠层。顶篷由各种三角形的构筑组成，上面有成排的金色阳极氧化铝百叶窗。从不同角度观看时，每个百叶窗托架也设置为不同角度，以增强变化感。

　　AOE工作室位于中国重庆市南山，建筑师将南山的传统建筑文化和自然景观作为该项目的主要概念进行了完善。现代技术语言的运用与艺术创作技术的结合，让游客体验“隐藏在自然中”的艺术观念。整个项目包括销售办公室和商业区域两部分。销售办公室是大楼的一小部分，但以精致的美感来执行。它自然地被雕刻并隐藏在周边环境中，突出了一种隔离的概念。

　　外墙使用穿孔板作为百叶窗来保护阳光，其形状受南山云团的启发。穿孔的叶子漂浮在幕墙周围，就像一幅长卷轴的山水画，其变化参考了遍布城市的不断变化的云雾。玻璃幕墙和穿孔百叶窗的形状无缝地融入了周围的自然环境，因此整个建筑看起来就像是漂浮在云端。 建筑物周围的喷涂设备会产生雾气，这种效果使自然雾成为建筑物的附加立面，从而在南山创造了一个仙境。

　　我们可以发现，尽管通常不将其视为建筑材料，但雾具有神奇的功能，可以改变我们对空间和位置的理解，并引起人们对建筑与环境之间关系的关注。Brian MacKay-Lyons的Ghost Lab架构的设计思路来自新斯科舍省的主要有雾气候。每个结构的建设过程被理解为该地区深厚的物质文化的延续。在所有Ghost Lab项目中，常见的是利用半封闭结构、雾气和光形成戏剧性效果，从而在变化的温度，湿度，能见度和所产生的光质量方面提供特殊的感官体验。

　　这种特性似乎代表了一种晦涩的现实，追求云的漂浮质感，或是水的流动。它一直强调环境的气氛，旨在将一种朦胧的氛围融入到建筑物本身。比如也可以将中国传统美学纳入当代实践中，整合环境元素，并实现“无限”的环境体感。就像在欣赏中国古代卷轴画的时候，这些绘画作品是由观众以内在的感受来诠释的，而不是固定的视角。那么面对建筑，想要体现一种晦涩的现实，也需要从人的主动视角出发来实现情感上的互动。

　　朦胧的现实形状促使用户想象和四处走动，进而探索建筑的构造和变化。用户可以根据自己的意愿和观点与建筑融为一体。也就是说，朦胧感的建筑实际是通过一些实际操作来影响人们的潜在感情倾向，那么在设计过程中，是可以通过多种形式来引导用用户的感觉，接下来让我们看一些具体的方案设计，学习一下如何塑造建筑的气质。

　　挪威峡湾代表了石墙的重量，材质和重力以及遮盖空间的轻盈，空灵和不断扩大的气氛之间的对比。设计原型作为在边缘地面上方落下的云，提出了一种微妙的体系结构。该项目通过一系列构建云的平面来寻找反射，透明，光，空气和神秘的空间。沉浸在云本身中的体验使用户可以通过开口欣赏风景，捕捉光线和风景。

　　在建筑内部，沿不同方向的垂直平面使周围的空间变得物质化，从而使光线变暗。结构体系有两个对立面：雕刻石材以包围内部空间。半透明的墙壁从地面建筑物中升起，形成空灵的视野。该设计塑造了云的静止形态。

　　伊甸园通常被描述为一个充满生命和丰富的郁郁葱葱的绿色植物的地方，在文学，电影和设计中都被引用。在宗教著作中，那些熟悉创世记的人读到了关于伊甸园会想到是对“天堂”的详细说明。建筑师帕梅拉·坦（Pamela Tan）通过视觉表现力，以其多学科背景运用不同的视角来探讨伊甸园的真实场景。该方案设计在马来西亚零售中心的永久性展览，反映出了一条虚幻的天堂之路。

　　沉浸式装置使人联想到现代建筑设计。其形状和拱门呈现出维多利亚时代钢制温室结构的灵感。伊甸园的轻巧结构向“ 水晶宫 ” 致敬，“ 水晶宫 ”是一座大型铸铁结构，建于1851年，是伦敦大展览的所在地。设计旨在模糊人造奇观与自然之美之间的界限，希望全白景观以视觉和感官的方式感动游客。

　　这种结构上的避难所旨在为公众在零售中心的日常生活提供一个和平与沉思的空间。作为基本元素，巨大的悬停拱门填充了空间，模仿了人们可能在山洞中发现的垂悬的葡萄藤和石笋。白色的骨骼结构在垂直和水平方向上延伸，形成了一个互动的片断，看起来似乎是有机生长的。

　　MAD Architects设计的义乌大剧院受到曾经在该市东阳河上航行的中国帆船的启发，模仿了漂浮在河上的玻璃墙船的形式，而其细微的曲线则呼应了该地区古代白话建筑中发现的江南式屋檐。其层状玻璃帆的外墙将是半透明的，以通过被动太阳能方式减少整体能耗。

　　义乌大剧院被设计为这座城市的纪念碑，它将以新的视角将居民与滨水区联系起来。它将成为世界一流的会场，将吸引来自世界各地的游客，使义乌成为文化胜地。玻璃的透明性和轻盈性表现出薄薄的丝质织物的质感，营造出动感的节奏，使它们看起来好像在风中飘扬。它们充当建筑物周围的保护性顶篷，与河流产生共鸣，优雅地漂浮在水面之上BOB体育官方入口，营造出浪漫的氛围。

　　半透明的玻璃幕墙不仅使义乌大剧院具有轻盈的感觉，而且还可以减少采暖和制冷成本，同时提供充足的自然光。在冬天，玻璃可以产生日光温室效应，但在夏天可以打开以促进自然通风。该项目还将提供一个新的且易于访问的公共绿地，其中包括圆形剧场和大型开放式广场，该广场延伸到其南部边缘的水中。

　　14 Architecture Studio在希腊雅典热闹的街道上设计了一个引人入胜的建筑项目。这是一种令人耳目一新的现代感，并暗示着过去的典型结构之间的未来。其中使建筑物更引人入胜的是磨砂玻璃的使用。建筑主要使用磨砂玻璃，形成一个物理透明的空间，温暖，开放且充满辐射。结构的透明性使光线和空气连续不断地流入，从而营造出自然而有机的氛围。

　　实际上，磨砂玻璃也已插入室内，因此在其他一系列普通建筑物中看起来像一缕阳光。每层楼都有弧形，提供了几何学上的乐趣，同时又增加了建筑物的开放性和吸引力。建筑俯瞰雅典最美丽的景点之一，持续吹来清新的微风，是一种轻灵的建筑奇迹，并以超凡脱俗的感觉照亮。

　　Ola Studio的设计是利用透明的轻钢结构实现墨尔本北部的彭特里奇监狱综合大楼的振兴。与1850年代历史悠久的前监狱的蓝石并置，将创建一系列具有多种用途的空灵空间。该结构的设计被称为18号楼，以一个戏剧性的拱形走廊为中心，该走廊将用作中央大厅或多功能画廊BOB体育官方入口，与之相邻的是许多大型空间，如拟建的图书馆和多媒体放映厅房间。它将是一个可识别的地标。

　　彭特里奇监狱（Pentridge Prison）因其独特的物质性而通常被称为“蓝石学院”（Bluestone College），成立于1850年，第一批囚犯于1851年到达。监狱的各个阶段都建立到1950年代。前监狱对维多利亚州具有历史，建筑，考古，科学（技术）和美学意义。

　　Ola Studio设计的轻盈透明美感与现存的监狱建筑形成鲜明对比，但其设计元素却参照了场地的历史。拟议方案从场地的物质性和空间质量上探索了该场地现有建筑物的倒置形式，同时引用了原始材料。大厅掩盖了该地区历史建筑的足迹，唤起了人们对现有拱形走廊的记忆，这些拱形走廊曾经为囚禁在监狱中的人提供隔离场所。

　　由杜迪·莫斯（Dodi Moss）领导的团队响应2020年迪拜世博会的主题“美丽团结人民”，想象出一种多层建筑体验，唤起意大利的历史和身份。该设计将构成建筑空间的各个部分拆开，将建筑分为结构体积和触觉。该设计是针对主要由金属网状结构创建的大体积的，该金属网状结构在其创建的空隙中调用了经典的意大利建筑。展馆内的不同环境让人联想起意大利的建筑历史，可以看到庭院或宫殿。

　　这些负空间的碰撞所形成的交叉路口使游客踏上了穿越亭子的情感和触觉之旅。通过对透明网格体积，触觉材料和植被进行分层和拉开，该设计可以让人联想到过去的幻影，并融合了当下的实物。该提案旨在唤起记忆的联系，并代表了对过去的总结，显示了当今工作的历史根源。展馆不仅提出了意大利的观点，而且提出了对意大利身份的认识，这是一个源于千年文化史的分层实体。

　　从亭子外面，花园大部分都被遮蔽了。内部是中央空间，序幕和广场。这些主要区域的水和植被元素代表了它们在传统的意大利园林设计中的重要性和重要性。在展馆内，建筑形式几乎消失了，取而代之的是水，植被，金属网和玻璃。这种透明的，空灵的结构旨在补充其所站立的不透明，接地的基座，从而形成自然与建筑的融合。

　　Studio 10将一系列反射，半透明和透明的材料分层放置，为深圳的女装品牌创建了一个虚幻的商店。商店设有玻璃砖墙，镜面吊顶和绿色水磨石地板。该工作室的目标是创造一个梦幻的内饰，使其与该品牌的简约美学相得益彰，同时还与其秋冬系列形成鲜明对比，该系列采用厚重的面料，如羊毛，羊绒和天鹅绒。

　　室内设计探索了材料，光透射，折射，反射和织物之间的相互作用。方案想要创建一个丰富的空间层次结构和虚幻的空间维度。游客通过铺有玻璃砖的走廊进入商店。人行道的一侧衬有镜面面板，而另一侧则变成了玻璃砖砌的展示区，点缀着绿色的大理石底座。在走廊正上方安装了带镜子的吊顶，并竖立了一个半高的玻璃隔板，以将展示空间与其他车间隔开。

　　商店空间的主体由其定制的绿色水磨石地板和围绕商店外围弯曲的半透明玻璃墙所定义。几面墙都由闪亮的银色材料作为支撑，可以反射并折射整个空间中绿色地板的颜色。当窗帘打开时，试衣间的内部和外部都隐约可见，从而产生朦胧的戏剧效果。

　　以上就是对于一些空灵的、朦胧的设计的技巧展现，我们不难发现，设计主要是为了唤醒用户内心的感受，而不只是为了打造迷幻的形体。也就是说，同学们对于这种具有特殊气质的概念设计，首先不要陷入形体的局限中，而要明确设计的目的和想要带来的效果。比如是渴望与自然环境融合，还是希望从朦胧的主体中给用户沉浸式的体验，亦或是通过迷幻效应反射出历史的剪影。其实有时候，从设计本身出发也可以达到无心插柳柳成荫的效果，自然而然地在现实中打造一片仙境。希望通过今天的案例学习，大家可以更加了解设计对情感的影响，并能够通过触及用户内心的出发点来设计超凡脱俗的建筑~